1: Le papier: Le papier est primordial. Changer de papier c’est comme changer entièrement de technique. Certains boivent, d’autres boulochent, certains n’aiment pas être gommés: c’est sans fin. Pourtant tous ont des qualités adaptées à la technique que l’on utilise.

Pour ma part j’ai choisi un papier fabriqué près de chez moi, de la marque LANA, gamme Lanaquarelle en 300g, grain satiné. C’est un papier à base de coton, pressé à chaud, qui supporte très bien d’être gommé et regommé et qui accepte très bien encre, aquarelles et feutres. Un vrai bonheur.

Pour moi c’est un peu le Graal des papiers. Je le trouve au géant des beaux arts.

2. couleur : Je n’utilise quasiment que de l’aquarelle pour le dessin sur papier. De l’aquarelle de marque Shmincke pour être précise…

Après avoir peiné des années avec de la Windsor et Newton de base, j’ai acheté par hasard un godet de shmincke. Quelle révolution ! C’est une matière tellement plus souple et agréable à travailler, presque comme de l’aquarelle en tube.

J’ai une petite boite de  12 godets (que j’ai un peu tassés pour y insérer 2 godets de plus), qui me suffit amplement en faisant de judicieux mélanges. Je ne dit pas que je ne fantasme pas sur une bien plus grande boite, mais ça reste du luxe superflu.

Ma petite boite va partout. Je peux l’emmener dans une poche de pantalon ou de mon sac, elle ne pèse presque rien.

vous pouvez en acheter ici par exemple

Pour le reste de mes couleurs, lorsque je veux rajouter un effet dramatique à mes fonds, je rajoute un peu d’encre de chine ou Waterman à mon aquarelle, en dernier moment.

L’aquarelle est l’encre n’ont pas la même densité et ont tendance à lutter pour l’espace , ce qui donne des fonds très dramatiques et vivants.

3 Pinceaux:

Lorsque l’on fait de l’aquarelle ou de la peinture en général, les pinceaux sont importants, c’est vrai. Personnellement, je dois prendre en compte une ou deux variables de plus que la plupart des gens.

Je suis maladroite et je suis paresseuse. Comprenez : Donnez moi un gobelet plein d’eau et je le renverserai sur la feuille ET ça m’ennuie vraiment trop de nettoyer mes pinceaux. Ils finiront donc le poil courbé, écrasé au fond d’un verre non vidé mais dont l’eau se sera tout de même évaporée.

Lorsque j’ai commencé les dédicaces, je me suis trouvée également confrontée a la qualité tout à fait inadaptée du papier glacé des bandes dessinées. Il fallait travailler vite , en une seule fois si possible.

C’est pour toutes ces raisons que j’ai commencé à utiliser des pinceaux à réserve d’eau.

Cela faisait déjà un certain temps que j’utilisais les feutres pinceaux Pentel qui permettaient le confort d’un stylo avec le délié d’un pinceau.

Et c’est chez Pentel que j’ai découvert mes premier pinceaux à réservoir d’eau.

Le temps passant, j’ai fini par changer pour la marque Kuretake, parce qu’elle propose 4 formats de pinceaux différents.

Cela étonne beaucoup ceux qui me regardent dessiner que le même “stylo” fasse toutes les couleurs ^^. Pour moi c’est juste l’outil indispensable.

4: le Smudgeguard.

Ma découverte la plus récente en matière de matériel, c’est le smudgeguard. Un gant de travail qui ne prend que le petit doigt et le coté de la main qui touche le papier.

En aquarelle, son avantage principal, c’est d’empêcher le très léger dépos graisseux qu’une main laisse inévitablement. Lorsque l’on pose sa main sur le papier, on y laisse une fine couche, qui reste invisible jusqu’à ce que l’on essaie d’encrer ou de mettre de l’aquarelle dessus : l’huile  repousse l’eau , c’est bien connu hélas.

Par ailleurs, le smudgeguard, pour les mêmes raisons, est aussi très utile pour l’utilisation de tablet pc  (ou de Cintiq pour ceux qui voient ce que c’est).

Et dans une moindre mesure, il limite l’estompe du crayon.

Voilà, vous savez tout, ou presque.

Pour le reste évidemment, c’est à dire tous mes boulots professionnels, ma tablette me suffit.

Aujourd’hui je vais donc partager avec vous l’adresse d’une ou deux mines d’or.

alors:

il y a tout d’abord ce magnifique site japonais.

Le principe est simple, il propose des poses de perso aléatoire  avec entre autres options, des temps de pose limités

Tres pratique pour apprendre à être synthétique. on panique un peu au début, mais c’est normal.

http://www.posemaniacs.com/?pagename=thirtysecond

ensuite, voici des liens tres tres tres utiles pour faire des couvertures.

avec des séries de photos dans des poses classiques du comics ou du cinéma d’action…

http://www.characterdesigns.com/index.php?sitepage=photosets

Pareil mais plus vaste… payant toutefois:

http://www.photo-reference-for-comic-artists.com/

Pour l’inspiration vestimentaire,  j’aime bien trainer du côté de Tokyo street style

http://www.style-arena.jp/en/street/

c’est tout pour aujourd’hui

Dans à peu près un mois , Le roman “Les Clefs De Babel” va être publié aux éditions Syros dans la collection SOON.
Ce sera ma 2eme collaboration sur cette toute jeune collection de sf qui a la particularité d’être d’une grande qualité d’écriture.
Lorsque j’ai reçu le manuscrit, ma première démarche a été de chercher comment symboliser la descente, l’espace confiné.

Je propose à Syros deux roughs. l’un exploitant l’idée de la fuite, le second mettant plus en avant l’un des personnages principaux et l’un de ses caractéristiques, un tatouage laissant supposer que cette femme enfant est un genre d’élue…

In a month or so, the book “Les clefs de Babel” ( “Balbel’s Keys”) will be in stores.

This will be my 2nd collaboration for Syros publishing, on its brand new sci-fi collection called SOON wich has the particularity, till then, to be very well written. Don’t laugh, it is not that common in YA litterature.

When I was sent the first version of the book, my first step was to try to symbolise the confined space and the descent.

I propose 2 roughs to the publisher. The first one based one the escape, and the other one exploring the idea of Chosen People, marqued by their tatoos.

L’éditeur préfère la seconde, ça tombe bien, moi aussi. A partir de là, je ne vais pas vraiment dévier de ma route.

L’idée étant de garder une certaine force de compo, je vais travailler le fond de façon plus graphique, presque symbolique; je vais aussi rajouter des lumières pour ajouter des lignes de force et encadrer le personnage. J’ai aussi rajouté, en toute fin, une espèce de vapeur  autour de son visage, afin de bien le mettre en valeur et le détacher du fond et aussi, encore une fois, pour rajouter du dynamisme à ma compo.

The publisher prefers the second proposition, more glamourous, so do I. From the, I won’t change a lot its composition.

The idea is to keep some dynamism, In order to do it, I wil keep the background very graphical, almost symbolical.

I add some little lights to put some strenght lines. I also add, in the end of the process,  some kind of steam moving up behind her face (always in order to improve the dynamism)

Voici donc le premier article de la série “genèse d’une image”…  Je le faisais déjà, mais disons que là, ça va être un peu plus costaud.

Avant tout, je tiens à dire une chose importante, c’est qu’en art rien ne se crée à partir du vide… aucune “oeuvre” ne nait vierge de toute influence; être illustrateur veutdire connaitre ses influences et connaitre le langage des images….

Bref.

Cette semaine, le sujet de “character of the week” était “seigneur Sith féminin”. Un méchant de Star wars donc.

Avant de commencer à dessiner j’ouvre quelques uns de mes livres de ref. 4 références m’inspirent et vont m’aider à créer mon image…

Une image de Mathieu Lauffray, une page de l’encyclopédie médiévale de Violet-Le-Duc, une autre de l’encyclopédie visuelle du vêtement de Pépin Press et enfin une couverture de Blade par Marko Djurdjevic

So… here comes the first post of the “picture genesis” folder. I was already doing that kind of posts, but this time, it’s gonna be a bit denser.

First thing to know is that in art, nothing is created from scratch, no artwork is born influence free; and being an illustrator means  knowing ones influences and pictures’ langage.

This week, the “character of the week” thread was female sith lord: bad girl from “star wars universe” so.

Before starting to draw, I open a few of my references books. 4 pictures seem interesting for this subject. I am gonna keep tem in mind .

Here they are: A picture of Mathieu Lauffray, a page of Violet-Le-Duc’s medieval encyclopedia , an other one from the pepin press’s costume book and finaly a Blade cover by Marko Djurdjevic.

je commence mes crayonnés . Je cherche une tenue à la fois classe, à peu près sobre et qui permette des mouvements amples afin de pouvoir se battre avec un sabre… pas de robe, les poignets dégagés. Sexy sans en montrer trop.

Je cherche également une position qui invoque une menace et une détermination  sous jacente.. comme dans les arts martiaux où les combattants de haut niveau sont très conscient de leur puissance  sans avoir besoin de faire un milliard de mouvement. Un seul suffit du moment que c’est le bon.

je rejette le premier rough, il fait trop guerre des planetes et je préfere les compos faciales, doncje fais une premiere mise en couleur rapide  où je place les lumieres générales.

I start drawing. what I am looking for is a costume classy , a bit sober, allowing large moves in order to be able to fight with a lazer saber: no dress, forearms freed….and sexy without showing a lot.

I am also looking for a position implying  threat  and determination, As in matial arts where high levels fighters are very aware of their own strenght without doing a lot of moves. A single one is enough if it is the right one.

I chose the second rough, the first one was too cheesy and I prefer facial compositions anyway, and I try a first color atmoshere.

Je commence une mise en couleur que je vais rapidement trouver trop sombre, ça manque de puissance et ça ne va pas en s’améliorant, bref, au bout de plusioeurs étapes j’ai une image quasi-finie mais qui ne me plait pas.

After working a bit on my picture, I start to find it too dark and strenghtless and it doesn’t improve with time.

after a few steps, I get an almost done and very boring picture

C’est là que travailler en numérique me sauve la vie. Je prends donc un virage radical. Je décide de lui rabattre son capuchon et de changer la position de son visage. Voilà donc la fameuse expression dite du “regard par en dessous qui pétrifie”.  J’éclaircis le fond et en profite pour lui faire passer le visage en contre jour, à la fois pour la dramaturgie et pour la compo.

j’obtiens ainsi une masse fonçée sur ton clair… graphiquement, c’est plus efficace. Je recadre également mon image pour la laisser respirer et pouvoir rajouter les débris volant autour d’elle ainsi que le logo de l’ancien empire Sith dans le fond, en incrustation. Le rouge va m’aider à booster mon image et va soutenir les autres couleurs, plus ternes.

here is where painting digitally makes life easyer. I decide to change the face of my sith lord, pool her hood down, and give her the bejita (dragonball z) expression. I light the background up  and make her more backlighted, for the drama and the compositioon.

This way, I get a dark figur on a bright backgroud. graphically, it’s more effective. I resize also my picture, in order to let it breeze and to have some place for flying fragments and for the old sith empire logo.

I’ts red will help to support the general color scheme .

et au final, après peaufinage, la voilà

And after cleaning; here it is.

Certains d’entre vous l’auront remarqué, Hachette a sorti cette semaine un livre nommé “Rouge de Sang” dont j’ai oublié de parler car je n’ai pas encore reçu mes exemplaires d’auteur.

L’histoire raconte comment la vie d’une jeune bourgeoise va basculer apres la découverte de ses origines par l’entremise d’une lettre. Fille de la tristement célèbre ” commune de Paris”, son destin va en être changé.

Apres lecture du texte, je propose à Hachette 2 roughs que j’aime bien.

mon idée est de mettre l’accent sur la lettre en utilisant un cachet de cire bien rouge, comme une tache de sang.

“Rouge de Sang” (bood-red) is the name of a book published last week by hachette publishing.

The story talks about a young girl who sees, after the discovery of a strange letter unveiling her origins, her destiny totally changed.

After the reading of the text, a few month ago, I submitted the publisher two roughs I liked, both exploring the idea  of using the wax seal of the lettre as a blood spot.

Après discussion, l’éditrice préfère ma deuxième idée. Qu’à cela ne tienne, je commence à travailler dessus en me lançant dans un festival de nouvelles brushes.

the editor prefers the second one. Immediatly, I start to work on it with my new brushes

Mais je suis stoppée en plein élan lorsque je me rappelle que l’on m’a demandé de rester dans un style plus symple, plus proche de mon rough de base .

hop, virage à 180° reprise de mes vieilles brushes et la voilà:

unfortunatly, I have to stop, the editor prefers a much more simple style.

I take back my old brushes and here she is

Lorsque l’on a compris comment dessiner un visage, souvent vient le moment où se pose le problème des expressions. Et fatalement, on en arrive à se demander ” mais par quoi passe l’émotion, les yeux où la bouche?”

la réponse est simple: les deux.

Jean qui rit/Jean qui pleure

le schéma classique, que tout le monde connait, se fait dans la dualité. Il y a la joie et la tristesse, leur influence sur les traits est facile à retenir puisque la joie est associée à des courbes ascendantes et la tristesse à des courbes descendantes.

Mais le visage recèle un nombre de facettes quasiment illimité. c’est pourquoi voici un petit bricolage que j’espère très instructif…. la figure qui suit est faite sous flash. Cliquez les flèches pour changer les expressions des yeux ou de la bouche et voyez leur interaction.

Dessiner les expressions du visage humain c’est un peu comme jouer avec monsieur patate… il suffit d’en changer un petit morceau pour changer toute sa personnalité.

Si vous ne voyez rien c’est que vous n’avez pas le flash plugin, il faut l’installer.

alors, heureux?

when head sketching is understood, the moment has come to think about expressions. Question is:”where does it come from, eyes or mouth? ”

both of course.

smiling and crying

2 most classical expressions are smiling and crying. their influence on a face is really easy to memorise : happiness is associated with ascending lines, sadnes is associated with descending ones.

however,  there is an almost unlimited nombre of expressions, that is why I quicly realized a ligh flash animation. change the eyes and mouth by clicking the arrows…and enjoy yourself.

if you don’t see it, then you should dowload the flash plugin.

happy?

Hands are known to be hard to sketch; some might even say that in spite of their efforts, their drawings have hands like the french pastries : “éclairs au chocolat”

That’s not such a bad model, even if I have to say that it works better by far with little cocktail sausages.

As in head sketching, you should know that the easyest way to draw complicated forms is to divide them in a lot of little simpler ones.

For the hand, it’s gonna be: the palm (sqare basis), thumb bond (triangle) and  a cup of those famous little sausages, coming by 3 (cones).

Il parait que dessiner des mains, c’est dur; d’aucuns disent même que malgré leurs efforts, les leurs ont des doigts qui ressemblent à des éclairs. au chocolat. Qu’à cela ne tienne: les éclairs, ça n’est pas un aussi mauvais départ que ça, même si, il faut bien le dire, ça marche beaucoup mieux avec des mini saucisses apéritives… les fameuses “cocktails” miam!

Si tu as suivi la leçon sur les visages, tu sauras déjà que le mieux, c’est de diviser le volume qui t’embête en un tas de volumes plus simples.

Dans le cas de la main, il y a la paume (une base carré) l’attache du pouce (un triangle) et tout un tas de petites saucisses par groupes de trois (des cônes donc). Le reste c’est du peaufinage.

démonstration:

dessiner un corps humain, ça n’est pas facile, et il n’y pas de truc miracle. c’est beaucoup d’observation, beaucoup d’entrainement, et beaucoup de foirage en perspective.

Je ne vais même pas rentrer dans le débat stérile du style parceque malgré ce que l’on croit, dessiner façon manga, comics, fusion ou franco belge, ça part de la même base et si on n’a pas les bases, autant vouloir faire un gâteau sans œufs. L’œuf étant, en cuisine comme en en dessin totalement indispensable.

Mais il y a quand même au moins un truc ou deux.

Le truc le plus simple est de diviser les masses complexes en un assemblage de petits volumes simples.

Je te vois, tu plisses les yeux et tu te dis “ouh! ça a l’air obscur” qu’à cela ne tienne:

démonstration

Pour dessiner un visage le plus simple est de penser à un œuf; un œuf c’est simple à imaginer en volume, tout le monde a déjà tenu un œuf non?. petit bout en bas, gros bout en haut, c’est le bon début pour un visage.

drawing  a human body is a tough exercise, and there is no easy way, it takes a lot of observation, practice, training and a lot of missing to come.

I won’t even talk about the style, because beleve it or not, drawing in manga style, comics style, fusion style or europeen style, come from the same basis, and if you miss them, it’s like missing eggs when you’re planning a cake. the egg being, as you will see, in drawing like in kitchen in the centre of everything.

Still, there are a few tricks

The simplest is to divide complicated forms in a lot of little simplier ones.

démonstration

If you want to picture a face, you have to think about an egg., Simple, isn’t it?

little part bottom, biggest part up: that’s a good beginning.

ensuite vient la règle des demis (nan pas la bière…). tu divise l’oeuf en deux dans le sens de la hauteur c’est pour les yeux, en deux encore pour trouver le nez et encore en deux pour la bouche.

bien sur, il ne faut pas oublier les volumes: le nez, le menton, les pomettes, ça a tendance à dépasser sous certains angles.

then you divide in almost 2 equal parts, and you have the eyes, divide again the bottom and you have the nose, divide it for the last time and you will find the mouth.

don’t forget that some parts tend to pass the lines (nose, cheeks, lips, …)

et voilà, simple non?

une petite démo juste pour dire que ça marche vraiment

and that was simple, isn’t it?

below, a quick livedemo

je vais mettre le total progress du travail
c’est à dire, les recherches et “crayonnés” suivi des différentes étapes… là je commence à voir le bout.
évidemment, apres, il faufdra que je travaille le fond (que pour le moment, je laisse en tant que masse).

1; les crayonnés

en gros, je pose des valeurs tres grossierement pour définir ma compo.
et ensuite j’affine

là, elle est quasi finie… je me demande si je ne vais pas rajouter qqs cygnes en train de voler…